Russian Circles - Geneva (2009)

Geneva, una de las ciudades mas grandes, es utilizada como titulo para el último arranque épico de la banda instrumental. La banda demuestra de nuevo que no necesitan de voces para emocionar y reafirman su calidad de inclasificables balanceándose entre el post rock y el post metal, ambos géneros que poseen ese sonido atmosférico tan característico heredero de Pink Floyd.


Fathom - El sonido de una guitarra atmosférica da inicio al disco, una batería que evoca los salvaje nos hacen sentir tensión. Un riff que se mantiene junto a la base logra un tema sólido, mientras la atmófera se mantiene. Luego el bajo se atreve a crear una base algo más funk, que da frescura al tema en medio de la pesadez. Arpegios disonantes dan paso a la emoción de los acordes finales que terminan en un chillido atmosférico.

Geneva - La tensión aparece desde el inicio, la atmósfera aparece luego en forma de melodías lentas. La base riffera llenan de fuerza al tema, mientras la batería rellena los especios con los platillos. Nuevamente el bajo sorprende creando líneas más arregladas.

Melee - La densidad y el dramatismo se imponen, creando una estructura ensoñadora, el agregado del cello vuelve al tema sublime y le da un aire a post rock. Al final el tema se torna más pesado, pero es suave comparado con los demás temas.

Hexed All - Con un sonido luminoso, bastante post rock que nunca llega a explosionar y que por tanto mantiene su inocencia a lo largo del track.


Malko - Un arpegio ágil nos muestra el tema más enérgico del disco. La guitarra interpretada de manera furiosa nos trae por el contrario sonidos atmosféricos pero agresivos.

When The Mountain Comes To Muhamm - El inicio es con un sonido de teclado junto a unos arpegios espaciales mientras se oye una voz como transmitida desde una radio. Luego aparece un riff con melodía más pesimista. La batería resalta mucho, crea los climas y se vuelve parte importantísima del ensamble. Hay partes que claramente le deben mucho al "Echoes" de Pink Floyd.

Philos - Aparece con la agresividad contenida en las guitarras chirriantes que se detienen y dejan paso a simples murmullos profundos, luego estos se van elevando con sonidos sinfónicos. Más tarde el sonido preciso de la percusión se hace presente de manera sutil, como parte del todo. Despues viene la alegria, un arrebato momentaneo, los redobles acompañan una melodía que va creciendo. Luego los arpegios que continuan mantienen la alegria y se preparan para llegar a otro climax esta vez más distorcionado. Finalmente el tema termina en una alegria satisfecha, donde ya no queda más por celebrar y solo queda descansar y dejarse llevar por el ruido del mundo.

Tracklist
01. Fathom (04:55)
02. Geneva (05:50)
03. Melee (07:39)
04. Hexed All (04:30)
05. Malko (04:43)
06. When the Mountain Comes to Muhammad (08:01)
07. Philos (10:27)


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Gazpacho - Tick Tock (2009)

Gazpacho nos entrega este año un disco cargado de atmósfera, con un estilo moderno influenciado por Porcupine Tree y Muse. Después de haber entregado un disco tan aclamado como "Night" ahora vuelven con un disco con melodías más logradas y atmósferas más complejas.


Desert Flight: El tema posee una vena rockera la que, sin embargo, es luego opacada por un estilo más épico y dramático, en parte por los teclados pero principalmente por la vo con un estilo parecido al de Muse. También hay un quiebre muy floydiano en el que la atmósfera creada por sonidos electrónicos y los climas del teclado junto a un arpegio de guitarra que se repite mientras la voz se olle a lo lejos como si sonara de un megáfono, nos hipnotiza. En este quiebra la batería se va volviendo más intensa junto con la atmósfera que se va tornando conmovedora y finalmente todo desemboca en un dulce violín y acordes de un piano.

The Walk pt.1: A diferencia del tema anterior, aquí la atmósfera y la melodía se imponen desde el inicio. El gancho de las lineas vocales encaja a la perfección con los luminosos arreglos melancólicos. Otro gran quiebre nos transporta al oriente con aires arábicos y un inteligente despliegue de mellotron, preciso. Finalmente un segundo quiebre refuerza los aires orientales esta vez con el violín como protagonista.

The Walk pt.2: Otra vez la voz nos introduce al tema y se impone al resto de la banda, mientras el mellotron se deja sentir apoyando la compleja atmósfera.

Tick Tock pt.1: El sonido del reloj nos introduce en tema, lleno de una atmósfera comprimida al inicio. En el quiebre la batería proporciona el cambio principal, volviéndose más dinámica. Al final se olle un coro de voces sacras, que le da un aire fantasmal al tema.

Tick Tock pt.2: Esta vez la melodía es más optimista y la distorción está más presente. El quiebre instrumental posee esta vez aires más sinfónicos llenos de melancolía, otra vez la melodía la lleva el violín. Luego la guitarra se encargará de crear una línea melódica precisa. Los últimos minutos del tema son sombríos.

Tick Tock pt.3: Aires floydianos crean la atmósfera mientras la melodía nos recuerda a Porcupine Tree.

Winter is Never: Es el tema pop, muy bonito, con melodías pegajosas y bastante melancólico.

Trackslist
1. Desert Flight (7:39)
2. The Walk part. 1 (8:03)
3. The Walk part. 2 (5:30)
4. Tick Tock part. 1 (5:39)
5. Tick Tock part. 2 (7:17)
6. Tick Tock part. 3 (9:39)
7. Winter Is Never (4:55)


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The Mars Volta - Octahedron (2009)

El tan esperado cuarto disco de esta banda ha dejado desconcertado a medio mundo. Es que en serio el disco es un mar de tranquilidad comparado con todos los álbumes anteriores, en especial con el anterior que era en su mayoría caos con buenas dosis de ruido. Con este disco la banda quiere entrar en el terreno de "crear la canción perfecta" o algo así. Es por eso que en este disco la improvización es mínima y las estructuras se han reducido en su mayoría a los estándares tradicionales de canción. Según Omar Rodriguez este es el disco acústico de Mars Volta, a pesar de que tenga sonidos eléctricos esta es la idea que Mars Volta tiene acrerca de un disco acústico.
Los temas tratan de varios temas como los secuestros, raptos o como dice Omar "Nace de un sentimiento de pérdida y de nostalgia", no es un disco conceptual.

Since We've Been Wrong: Lo primero que uno piensa es ¿wtf? qué pasó, esto no es Mars Volta, dónde estan esos quiebres de locura, esto suena demasiado a balada. Pero por otro lado uno va notando que esta nueva faceta va ganando fuerza, y que la banda, a pesar de todo, mantiene su esencia. Es un tema acústico adornado por los fantasmales arreglos de Omar, va in crescendo hasta que entra toda la banda pero nunca se llega a la usual locura distorcionada de la banda.

Teflon: Otro tema que a pesar de ser más rápido que el anterior, mantiene el ritmo relajado mientras Omar expone sus arreglos llenos de eco recordándonos que la psicodelia está patente siempre. Es un tema en formato canción, sin quiebres especiales.

Halo Of Nembutals: El inicio es fantasmal pero dura poco porque el coro aparece inesperadamente como una ola melódica. Este me parece sin duda el tema con mejor fraseo del disco, es decir el trabajo de Cedric me parece aquí preciso. Hay que poner atención también a la parte final en donde Thomas Pridgen mantiene un ritmo frenético característico de él mientras un piano suelta notas disparatadas.

With Twilight As My Guide: El primer tema atmosférico, con aires floydianos. Es una emulación de balada espacial con arpegios de guitarra acústica.

Cotopaxi: Este tema parece una isla ya que es el único que posee ese frenetismo muy utilizado por la banda. Todo un temón demoledor, a pesar de su corta duración. Posee uno de los quiebres más interesantes y exitantes del disco, ese en el que la banda demuestra su gran sincronización.

Desperate Graves: Otro buen tema con la melodía al frente, con un coro ruidoso y correctos fraseos.

Copernicus: Es el tema más espacial, nunca llega a explosionar, se mantiene siempre sombrío y lento. Al medio aparecen unos sonidos electrónicos pero aún así el tema se mantiene atmosférico. Se podría decir que es el tema más denso del disco.

Luciforms: El gran final. No podía ser de otra forma que con este temón. Con una estructura similar a "Halo of Nembutals" el tema agrega un buen solo de guitarra, y ojo que casi no hay solos en este disco. Con un coro ganchero y psicodelia medida.

Tracklist:
1. Since We've Been Wrong
2. Teflon
3. Halo of Nembutals
4. With Twilight as my Guide
5. Cotopaxi
6. Desperate Graves
7. Copernicus
8. Luciforms


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La Canción Prog de la Semana: Camel - Ice



Una de las melodías más hermosas de toda la música es la que inica la parte eléctrica del tema. Todo en la canción se mantiene lento; sin embargo, se llega a alcanzar una intensidad en la cual la velocidad pierde importancia; pura emoción es el camino conductor que expresa lo más profundo de la melancolía.



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maudlin of the Well - Part The Second (2009)

Maudlin of the Well es una banda dedicada a la experimentación. Liderados por Toby Driver, esta banda se pasea en sus primeros discos por un metal muy vanguardista, expresado en sus dos primeros discos. La banda se disolvió el 2001 pero este año regresaron con un disco que fue financiado por los propios fans, y por lo tanto se puede descargar de manera libre en su página. Para muchos tal vez el nombre de Toby Driver no les diga nada, pero este individuo es conocido por ser capaz de crear los experimentos sonoros más extravagantes sin llegar al extremo del ruidismo puro, tal vez muchos conozcan a su otra banda Kayo Dot, que es otra de esas bandas de culto que hay que tener en cuenta. En este disco, el metal ha sido dejado de lado casi completamente para dar paso a un sonido más espacial, denso y con mucha influencia jazzera y clásica. La instrumentación se puede describir como un sueño pesado que se va tornando en pesadilla.

Excerpt from 6,000,000,000,000 Miles Before the First, Or, the Revisitation of the Blue Ghost: El disco abre de una manera muy relajante, con aires a bossa nova. El tema más lento del disco es utilizado para calamarnos y para señalar, de frente, que la banda ha cambiado, como era de esperarse. Las vocalizaciones lentas y casi susurrantes con cadencias jazz nos dan un tema muy delicado. Más adelante se van sucediendo diversas partes instrumentales que nos mantienen en un sube y baja de intensidad como sólo el post rock sabe, pero sin llegar a convertirse en el mencionado género.

Keep Light Near You, Even When Dying: Un bonito inicio con vibráfono y violín nos adentran en un tema variopinto, melancólico en el inicio, con ráfagas de agresividad, expresadas más que nada en las armonías disonantes, luego. Al final aparece una voz procesada que posee aires esquizofrénicos mientras el ritmo se torna tenso y la melodía se va tornando lúgubre.

Rose Quartz Turning to Glass: El inicio sinfónico abre el tema con melodías que remiten un poco al tema anterior, luego una línea de piano se planta como base mientras la batería se dedica a crear redobles. Después el violín queda solo dibujando diversas melodías, luego lo van acompañando ruídos distintos, lo que crea un clima fantasmal. Los dos últimos minutos el tema se ordena y aparece la voz, con un tono más relajante acompañada por una base más sólida, llegando a sonar bastante 'radioheadiano'.

Clover Garland Island: El tema golpea nuestros sentidos directamente con la ruidosa introduccion, como si se trataran de estacazos. Luego el tema obtiene un ritmo más funk, la voz suena lejana como cantada de un megáfono. En la mitad del tema la calma aparece repentinamente, hasta se pueden oír pajaritos. La melancolía nos envuelve y nos envía por parajes despejados. Al final el tema va adquiriendo fuerza y desemboca en una base sólida para finalmente volver a la melancolía que termina el tema.

Laboratories of the Invisible World (Rollerskating the Cosmic Palmistric Postborder): Finalmente el tema más largo del disco. Inicia con un acorde jazz tocado hacia arriba, le sigue una parte melódica que es cortada rápidamente por la distorción, es entonces cuando la voz se torna esquizofrénica. Luego el tema aprovecha esta fuerza y nos trae un riff que nos hace recordar al menos por un momento a los discos anteriores, no dura mucho esto ya que se vuelve a la parte tensa de antes, luego se le van agregando diversos arreglos guitarreros que dan color al tema. También hay espacio para ritmos más comunes y directos que resaltan la parte rockera de la banda. Así se van sucediendo las ideas más extrañas en donde el vanguardismo de la banda queda patente.

Tracklist
1. An Excerpt From 6,000,000,000,000 Miles Before The First, Or, The Revisitation Of The Blue Ghost (1999-2009) (10:55)
2. Another Excerpt: Keep Light Near You, Even When Dying (1997-2009) (5:59)
3. Rose Quartz Turning To Glass (1997-2009) (7:30)
4. Clover Garland Island (2007-2009) (8:18)
5. Laboratories Of The Invisible World (Rollerskating the Cosmic Palmistric Postborder) (2005-2009) (11:50)


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La Cancion Prog de la semana: Tool - Parabola



Tendríamos que estar ciegos para no notar en este video alguna imagen por lo menos inquietante, algún segundo que nos haya quitado el aliento, que haya tomado lo último de nosotros. Una vez una amiga, que estudia arte, me dijo categoricamente que los videos de Tool son Arte, así con mayúscula. Este es uno de los efectos que causa la mezcla de oscuridad y tensión, tanto musical como visual, mas una suceción de imagenes intensas y llenas de simbolismo. Este video en especial me parece épico, desde el principio hasta el glorioso final. Tool le devolvió el significado al alicaído videoclip. Hurra por este metal claustrofóbico.




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Sigur Ros - Takk... (2005)


Takk... es el cuarto disco de esta magnífica banda. En este disco estos chicos encuentran la manera de quajar el sonido de los discos anteriores. El vocalista Jonsi lo describió como "un poco más feliz que "( )", con más esperanza. Las letras hablan de pequeñas aventuras, quizá historias de niños. Son sencillas e ingenuas, y siempre tienen un protagonista. Por ejemplo, el de Glósóli se despierta y todo está oscuro: no puede ver la luz. Piensa que el sol se ha ido y emprende un viaje para buscarlo, encontrándolo al final"

Hoppípolla: Hermoso tema. Inicia con unos arpegios de piano y luego entra toda la banda. Jónsi (voalista) con su delicada voz expresa en sus letras una alegría infantil, la alegría de un niño que salta en los charcos (Hoppípolla = saltando por los charcos). Luego la orquesta se hace más fuerte mientras los falsetes de Jónsi cantan en hopelandic (lenguaje inventado por la banda)con su típico "Yu Shai...".

Saéglopur: Tiene un aire más misterioso y oscuro. Comienza con unos suaves acordes de piano y arreglos que parecen de vibráfono mientras entran los falsetes de Jónsi. Luego ingresa toda la banda y Jonsi interpreta su ya conocido sonido de guitarra (que lo interpreta con un arco de violín) y el tema se vuelve más espacial.

Heysatan: Toda la calma contenida en este tema te hace volar mientras cierras los ojos y sueñas que no tienes obligaciones, ni responsabilidades, ni deudas. Es tan pausado, sin capas de efectos, solo sonidos orgánicos orquestados mas un teclado y las bellas voces. Así termina un álbum memorable que por un momento al menos nos hizo volver a la infancia.


Tracklist:
1. Takk...
2. Glosoli
3. Hoppipolla
4. Meo Blodnasir
5. Se Lest
6. Saeglopur
7. Milano
8. Gong
9. Andvari
10. Svo Hljott
11. Heysatan



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Sigur Ros - ( ) (2002)



Este es el famoso álbum sin título, es más ninguno de sus temas tiene título y las letras son de una lengua inventada por el vocalista Jonsi, el vonlenska, que puede traducirse como un lenguaje esperanzador. La idea de esto es la misma que la idea de Zeppelin al sacar su álbum sin título, solo que llevada al extremo. La libre interpretación de las letras es muy importante ya que no hay parámetros especiales, lo que le da mas espacio al oyente para concentrarse en la música como conjunto, es más si se quiere en el folleto del disco, las páginas estan en blanco, la idea es que cada quien escriba las letras que mejor le parecen.
El sonido del disco es ensoñador, precioso, algo sinfónico, ambiental y sobre todo muy conmovedor. El disco es para ser oído en conjunto, pero creo que describir algunos fragmentos al azar dara una idea más amplia.

Untitled 2: Comienza con ruidos distorcionados, luego aparecen sonidos como de ecos fantasmales, muy característicos de la música de Sigur, también se unen unos arpegios de guitarra que crea un ambiente algo post rock. Después entra la delicada voz de Jonsi, el que utiliza el falsete de una manera única.

Untitled 3: Comienza con un sonido muy parecido al órgano de Iglesia, luego entra un arpegio de piano acompañado por los ecos ya mencionados. Luego va variando en intensidad hasta el climax en donde vuelve a desaparecer.

Este disco es para oírlo con paciencia, tal vez en el campo.
Track List:
1. Untitled #1 - "Vaka"
2. Untitled #2 - "Fyrsta"
3. Untitled #3 - "Samskeyti"
4. Untitled #4 - "Njósnavélin"
5. Untitled #5 - "Álafoss"
6. Untitled #6 - "E-Bow"
7. Untitled #7 - "Dauðalagið"
8. Untitled #8 - "Popplagið"




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Sigur Ros - Agaetis Byrjun (1999)

Agaetis Byrjum es el segundo disco de Sigur Rós. Todo el disco es una bola de emociones, lleno de sonidos espaciales, sinfónicos y a veces psicodélicos. Su música es catalogada como "ensoñadora", "relajante"; todo depende del estado de ánimo, a veces puede ser una total molestia para algunos. Para muchos éste es su mejor disco o al menos el primer gran disco que sacaron. Es un disco conceptual donde se vierte toda la filosofía de Sigur Rós, todas sus innovaciones estilísticas y sus demás novedades como la de inventar un lenguaje propio (Vonlenska) o tocar sus instrumentos eléctricos de cuerda con un arco para violin. El concepto es acerca del amor no correspondido desde el comienzo hasta su muerte, según el vocalista Jonsi "Comienza con el nacimiento de un niño". El disco contó con la orquesta sinfónica de Islandia. Desde el inicio nos emvuelven en una nube de sonidos que se vuelven mágicos en "Svefn-G-Englar", sinfónicos en "Starálfur", conmovedores en "Flugufrelsarinn", psicodélicos en "Ný Batterí", con ánimos de experimentar con el blues como en "hjartað hamast (bamm bamm bamm)", con sonidos más épicos en "viðar vel tl loftárasa", algo pop en "Olsen Olsen", algo más acústicos en "ágætis byrjun" y algo más experimentales en "Avalon". Además el disco tiene ciertos trucos, uno de ellos es que si aceleras la reproducción de "Avalon" a cuádruple velocidad, estarás escuchando una versión instrumental de "Starálfur".


Track List:
01. Intro
02. Svefn-g-englar
03. Starálfur
04. Flugufrelsarinn
05. Ný Batterí
06. Hjartað hamast (Bamm Bamm Bamm)
07. Viðrar vel til loftárása
08. Olsen Olsen
09. Ágætis byrjun
10. Avalon


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Oigan todos, contemplen al genio en acción, el maestro Frank Zappa, uno de mis gurús en guitarra y uno de los músicos más extravagantes de la historia, con una creatividad incomparable. Esta vez los dejo con este increíble solo, del disco Joe's Garage, con mucho feeling, sin el humor que le solía meter a los temas, puro sentimiento.


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Flor de Loto - Mundos Bizarros (2009)

Flor de Loto posee muchas influencias, las principales son: heavy, música celta, música andina, jazz y todo dentro del concepto progresivo. La banda admite influencia de bandas como Jethro Tull, Maiden, Rush, Jaivas, etc. Pero todas éstas no podrían representar a la banda por completo, ya que ésta ha sabido formar un estilo propio, patente desde el primer disco, pero que han ido puliendo con el tiempo.

A fines del año pasado esta gran banda anunció el lanzamiento de su tercer disco. Cabe decir que este disco ha sido uno de los más esperados por la comunidad del prog latinoamericano ya que Flor de Loto es quizá una de las bandas mas reprensentativas del rock progresivo sudamericano. Es así que el 20 de mayo se presentó oficialmente "Mundo Bizarros". Ahora sí entraremos a hablar del disco.

El disco posee doce temas mas la inclusión de una edición de "Nubes Osrcuras" para la radio. Otro aspecto es que aunque es cierto que el ex flautista de la banda, Jhonny Perez, se deja extrañar por su gran talento y además por su teatralidad en el escenario, con todos sus disfraces, también es cierto que el nuevo flautista, Junior Pacora, posee un estilo algo más delicado y jazzero, lo que le da a la banda nuevos horizontes musicales. La producción musical de los 13 temas de “Mundos Bizarros” estuvo a cargo de Rodolfo Cáceres en conjunto con Julio Caipo. El arte de los discos es algo que la banda cuida muy detalladamente, esta vez Andrea Lertora estuvo a cargo de las ilustraciones y Pablo Castillo, del diseño.

La inclusion de más temas vocales me pareció muy acertada ya que el guitarrista, según mi parecer, posee una voz más que aceptable y las armonías entre él y el bajista me parecieron hermosas, en especial en el coro del tema "Volver a nacer". Luego otro aspecto es que las influencias de música andina se han vuelto más sutiles, mientras que las de folk europeo son un poco más notorias, esto se debe probablemente al cambio de flautista, ya que el anterior era más partidario de la fusión étnica, incluso se disfrazaba de brujo con la utilización de mascaras, aunque lo étnico está aun presente de manera notoria en temas como "Nubes oscuras" y "La puerta dorada". Finalmente nos encontramos con la parte más rockera llena de riffs de la banda, la que al mismo tiempo es contrarrestada por sutiles temas más introspectivos como "Amnesia" y "Nubes oscuras". Por otro lado un detalle al escuchar el disco por completo es que las canciones instrumentales suelen estar sucedidas de canciones cantadas, esto es algo que suele pasar en casi todo el disco y que a sido una muy buena idea, ya que le da al disco y a las canciones mas notoriedad.

Intro: El inicio del disco muy atmosférico, lleno de misticismo con arpegios de tonalidad baja inicia el viaje y nos conduce directamente al siguiente tema.

La Fortaleza: Este tema viene como un golpe en la cara, podemos oír riffs tipo maiden que se entrelazan con las flautas, luego una pequeña seccion acustica que nos conduce a una parte con influencia celta en donde guitarra y flauta crean una melodia al unísono. Despues aparecen los famosos solos de flauta y demas partes que dan idea de una estructura muy entretenida.

Volver a Nacer: Otro tema que esta bien enmarcado en la onda de maiden, otra vez las flautas le dan ese sonido lúdico a la banda. Luego aparece la voz, hablando acerca de asuntos filosóficos como el obejtivo de la existencia, y en el coro se pronuncia fuerte y claro, a dos voces, volver a nacer como una declaración de un renacimiento en el ser. Luego hay lugar para el solo muy calmado de flauta y luego para la tormenta de distorción que representa la guitarra. Finalmente el tema vuelve al coro y finaliza con uno de sus potentes riffs.

Shamballa: En este tema la musica oriental arábiga ha sido el foco de la banda. Inicia de manera acústica con la flauta en primer plano. Luego aparecen sonidos más distorcionados que le dan potencia al tema.

Amnesia: Uno de los temas mas intimistas y delicados del disco. Posee una melodía profunda y un arpegio simple que llega al alma. La letra es existencial, se sufre de una amnesia, el hombre se ha olvidado quien es realmente, no encuentra su ser, sus objetivos. Esta delicadeza se eleva al ingresar la voz de la invitada Gisela Ponce, quien posee una vos muy agradable. La sección intrumental del tema es una explosión de emociones contenidas que expresan la inexistencia.

Danza Celta 2: Como en la parte uno (que encontramos en uno de sus 2 discos anteriores), inica con una melodia de flauta muy aguda y escurridiza. A esta parte se le contrapone una sección guitarrera más potente. En el tema se suceden diversas secciones de música celta combianda con espiritu rockero y progresivo.

Habitante de un Mundo Imaginario: Uno de los temas compuestos por el bajista. Posee melodías potentes combinadas con partes melodiosas. Posee secciones muy entretenidas como la parte en donde la flauta y la guitarra se unen formando una melodía medio rockera bluesera.

Nubes Oscuras: Inicia con aires andinos, de manera acústica y melancólica. Luego el tema se vuelve un poco más veloz pero se mantiene acústico. La melodía vocal es ganchera, este tema se pinta como single obligado. La letra trata el tema de la soledad como nubes oscuras y almas tristes.

Atlantis: Es un tema potente que mantiene la línea del álbum. Posee aires funk que se intercalan con sonidos épicos. Luego partes más heavy, partes instrumentales, solos de flauta. Luego al minuto 4:02 aparece una parte atmosférica, una como los arpegios del intro, pero tocados de una forma que inspira tensión. Cabe destacar que en esta canción el bajo tiene por partes un papel fundamental, tanto que opacan a la guitarra. Finalmente se vuelve al inicio.

Noche Azul: Un tema muy calmado e introspectivo, la melodía melancólica da aires tristes al tema. Al final el tema adquiere velocidad que es coronada por un solo de flauta.

La Puerta Dorada: En este tema se notan muy claramente las influencias andinas. Luego pasa por una sección dramatica, una funk y aparecen los solos. Reaparece una sección andina pero más pesada.

Mundos Bizarros: Finalmente el tema homónimo al disco. Es el tema más largo y el más elaborado. Primero aparecen melodías acústicas con aires pastoriles. Luego aparece un arpegio acústico con mas tensión en el ritmo y aparecen las voces como siempre muy correctas. Luego van apareciendo signos de distorción, hasta que se hacen patentes en el coro que recita: "Mundos bizarros invaden mi altar, miro al pasado y pierdo la libertad". Despues un solo de guitarra que vuelve a desembocar en el coro, el cual es adornado por un arreglo de flauta. Sigue un pasaje muy parecido al tema "Medusa" del disco anterior. Después la guitarra y la flauta tocan alunísono sobre una base rockera. Se inicia una sección que por las melodías podría llamarse de trance, y se recita el estribillo con Gisela Ponce en coros, formando una armonía y melodía distintas a las del coro, incluso se puede oír un charango. Luego golpes entrecortados desembocan en el coro interpretado de manera lenta y épica, con coros de fondo. Siguiendole el solo de flauta, con la influencia jazzera del nuevo flautista. Al minuto 8:16 aparecen pasajes instrumentales que cambian de tono y forman un clima de caos, el instrumento principal es la guitarra. Finalmente el tema termina con la calma que inició. Es un perfecto cierre para un álbum lleno de potencia y a la vez profundidad e intimismo.

Este trabajo es uno de los discos que se los tiene que escuchar mas de 1 vez para lograr captar todos esos detalles propios de Flor de Loto. Es uno de los discos que tienen que tener obligatoriamente en su biblioteca musical.


Actualización (04/08/09): Debido a una mala informacion brindada solo mencionamos a uno de los productores de este disco. Pero como nos lo dijo un comentario en este post, ya se ha corregido el dato que tenia que ver con los productores de este hermoso trabajo. Pedimos nuestras sinceras disculpas por el error cometido, que como se dijo antes, acaba de ser corregido.



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Sí, ya se que Muse no es una banda del todo prog, pero también se sabe que tiene mucha influencia del genero e incluso Progarchives lo tiene dentro de sus registros. Quizá esta canción se aleja mucho del Prog, pero es por algo especial, así que voy a permitirme darme esta libertad.

Esta canción va dedicada a alguien especial, alguien en quien pienso mucho, alguien que en estos últimos días ha cambiado mucho mi vida... Si M. esta canción te la dedico a ti, tu eres la chica que me hace especial, en la que pienso y en la que quiero seguir pensando mucho tiempo.


Atte. Dull!





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Éste es uno de los últimos discos que Omar Rogriguez lanzó en el 2008.
Como ya sabrán, los discos de Omar son una locura, bastante psicodelia, bastante improvisación, menos arquitectura que un tema promedio de Mars Volta y la mayoría instrumentales.

Este disco es el más melódico de toda la camada de discos que saco el señor Omar en el 2008, aquí pueden encontrar muy buenas improvizaciones como en el primer tema.

"Hands Tied To The Roots OF A Hemorrhage" tal vez el tema más digerible, en el que los solos de Omar se condensan y forman uno con la estructura.

"Sex, Consolation For Misery" es un solo triste-experimental con todos los ruidillos característicos de Omar.

"Tied Prom Digs On The Docks" comienza muy intenso, pero luego se convierte en una total locura psicodélica.

"Mood Swings" es toda una locura, a veces me hace recordar un poco al Radiohead más experimental.

"An Ancious Shrewdness In The Veins" está dominado por el piano y suena bastante jazz.



Tracklist:
1. Hands Tied To The Roots OF A Hemorrhage
2. City Dreams Inside A Truck
3. Sex, Consolation For Misery
4. Tied Prom Digs On The Docks
5. Seeth Of Cloudless Hymstone
6. Mood Swings
7. An Ancious Shrewdness In The Veins
8. A Story Teeth Rotted For
9. Of Ankles To Stone


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Minor Cuts es uno de los varios discos que el señor Omar Rodriguez publicó este año. Respecto al "Absence..." este disco es mucho más experimental y ruidoso.

Omar explosiona en psicodelia (cada cierto tiempo lo hace) y nos entrega uno de sus discos más difíciles de entender. No describiré el disco por temas porque al parecer es un todo indesligable. Es obviamente mucho menos melódico que el "Absence..." y posee esos ruídos que se pueden oír de fondo en los temas de Mars Volta.

Tracklist:
1. Solenoid Mosque
2. Trident Resting on the Pulse
3. Work on Motors
4. Electrodorphines
5. Pawn Shop Blues
6. Thankless Serpent
7. Devouring a Sibling
8. White Paint White Meat
9. Sliding In and Out of a Laceration
10. A Pinching Invention
11. Atrotecism Fenleon



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La banda polaca dueña de un metal progresivo oscuro, denso, atmosférico; está de vuelta con un disco que promete estar entre los mejores de este año. "Anno domini high definition" posee la carga explosiva de metal junto a los climas floydianos y a las reminiscencias orientales estilo tool. Podría decirse que este trabajo supera ampliamente al anterior "Rapid Eye Movement" ya que posee más dinamismo y más ideas.

Hyperactive - Un ingenuo arpegio de teclado nos va adentrando en la atmósfera. Luego se va acercando la potencia de la banda que se manifiesta en un potente riff sobre texturas intensas, seguidamente aparece la voz tan característica de la banda, todo interpretado con una energía impresionante. Es de este modo como el tema hace honor a su nombre, rompiendo la calma con una neurótica hiperactividad.

Driven to destruction - Comienza con el bajo formando el ritmo luego se va uniendo toda la banda agregando un matiz distinto al ritmo del bajo. Luego ingresa la voz dando el toque misterioso al tema. Así el tema no pierde un solo ápice de fuerza.

Egoist hedonist - Comienza con la voz junto a una tensión musical de atmósferas que está esperando explosionar, lo que logra hacerlo desembocando en un intenso riff y arreglos de hammond. Mas delante en el coro oiremos algo impensable en la banda, una sección de trompetas, interpretando una especie de funk, como si se tratara de alguna pelicula con bruce lee. Luego aparece una atmósfera mística que llena todo lentamente. Los últimos tres minutos el tema se transforma y da paso a una sección instrumental de la mejor que se pueda encontrar en el disco. Este tema es, a mi parecer, la joya del disco.

Left out - Es un tema muy intimista, con aires blues, y una atmósfera insuperable. Se siente como un tema floydiano pero con un sonido más moderno. Por supuesto el tema tiene su sección intrumental intensa.

Hybrid times - El tema más largo inicia con arpegios de teclado acompañando al vocalista en una melodía tensa, en seguida ingresa el riff y todo se endurece y se dinamiza con esos ritmos impares típicos de la banda, luego viene una parte con loops que explosiona en un solo de guitar y así se van sucediendo diferentes motivos formando el tema más épico del disco y el que más cambios posee. Finalmente loops electrónicos se apoderan del tema hasta que desembocan en una parte piscodélica en donde se oyen como lamentos desvaneciéndose.

De esta manera se cierra el disco, dejándonos en claro que Riverside ha vuelto de manera gloriosa.

Tracklist
1. Hyperactive (5:45)
2. Driven To Destruction (7:06)
3. Egoist Hedonist (8:56)
4. Left Out (10:59)
5. Hybrid Times (11:53)


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